Coreografía en torno a una pelota

 

Por CARLOS MARTÍN GAEBLER

En los últimos años, quien esto firma se ha convertido en una pelotazale, un apasionado aficionado a la pelota vasca, un activo fundamental de la cultura de Euskadi, que es tanto una disciplina deportiva como, si se quiere, una coreografía atlética. 

El golpeo de la pelota genera espectaculares posturas aerodinámicas que semejan a las adoptadas por bailarines de danza contemporánea o del llamado teatro físico. El contacto violento de la mano con la bola tras armar el brazo les hace a veces gravitar unos segundos sobre la cancha, cual danzarín dando una pirueta sobre el escenario. Parte de esta coreografía sobrevenida es también el movimiento reflejo de desplazarse ligeramente sobre la cancha para evitar obstaculizar la pegada del rival. En general, los jugadores se conducen con elegancia y ligereza, haciendo parecer fáciles golpes que demandan fuerza y concentración, como cuando un gran tenista golpea un derechazo ganador, o como hacen los bailarines de una compañía para crear belleza aerodinámica.

Desde pequeños, muchos niños vascos se crían observando este deporte en sus pueblos, practicándolo con pasión, socializando con sus compañeros de generación en euskera, adquiriendo valores, y haciendo país desde la adolescencia. A presenciar una partida de pelota vasca acude un público respetuoso y entendido que me recuerda al de otro templo, verde también, del deporte mundial, la pista central de Wimbledon. Este jamás menciona a la madre de alguno de los contendientes, ni se oye nunca un insulto desde la grada.

Este deporte, unique in the World, como reza el eslogan internacional del Athletic Club, se nutre de pelotaris profesionales venidos principalmente de Vizcaya, Guipúzcoa, Alava, Navarra y La Rioja, que juegan en distintos frontones norteños. [Eskerrik asko, youtuberos, por subir vídeos de partidos completos a la red, lo que nos permite disfrutar de la pelota vasca desde cualquier lugar del Estado.]

Ajenos por completo al postureo y a la coquetería que caracteriza a tantos futbolistas, los pelotaris son sobrios y elegantes en su equipamiento, que recuerda (pantalones largos blancos) al de los primeros tenistas, ocasionalmente un aro en la oreja como único adorno. Igualmente se conducen con nobleza ante el adversario, al que saludan y abrazan tras alcanzar los soñados 22 puntos. ¿Podría ser la pelota vasca un deporte de la nueva masculinidad? cmg2024

Publicado en elDiario.es el 11 de septiembre de 2024

My First Gay Bar

By CARLOS MARTÍN GAEBLER

Dedicated to Efrain, with brotherly love

42nd Street membership card

For generations of gays and lesbians, walking into a gay bar for the first time has long held a significant place in our personal histories. This was never more apparent than in the days following the homophobic mass shootings at Pulse, the gay nightclub in Orlando, Florida, in which 49 people lost their lives, and which prompted many to recall the nights they had spent in similar venues, and the sense of community they found there. Every gay person remembers the first time they went to a gay bar and how they felt.

Prior to the internet era, gay bars were integral to our social development. They were an escape from the often unfriendly outside world, packed every night of the week, and everyone inside was a friend, a brother. In those analogical times, we were awfully lucky, when you entered the place, that the guys weren’t focused on their iPhones but on each other. Also, fortunately, in 1980 AIDS hadn’t yet started its devastating advance.

At the time, I was a Spanish graduate student and Teaching Assistant at UNC-Chapel Hill ready to set the world on fire. 42nd Street (later on renamed as Power Company) opened in 1979. It was a converted department store (Rayless) located in downtown Durham, North Carolina, on 156 West Ramseur Street, next to the Corcoran multi-storey parking lot, with bars encircling the dance floor, which hosted the biggest disco ball in the Carolinas. The ground floor led to a mezzanine balcony at one end and to a basement full of pinball machines and pool tables at the other. The DJ booth sat above a stairwell overlooking the dance floor near the back bar. The large dancing area was like a hedonistic shrine, and Kool and the Gang’s Celebration was its anthem. Conversations would stop the second it came on and everybody would rush to the dance floor to join in this celebratory ritual.

This iconic disco was a non-segregated space where gay men and lesbians, black and white patrons, old and young, homos and straights, even Dukies and Tar Heels, haha, shared a good time together in brotherly spirit. It was a club for equality like I have never seen since. I was a gay kid in my early twenties who had just come out of the closet after years of unbearable loneliness. I had been a victim of humiliation and bullying during my adolescence. At 42nd Street I had no need to fight off bullies because I was among boys like me, and I felt protected. That place was like family to us.

42nd Street 1980 New Year's Party ticket

I was first taken to 42nd Street by my friends Tony Adinolfi and Tony Habit, a gay couple I had met upon arriving in Chapel Hill. My jaws dropped when I walked through the door. I couldn’t believe my eyes, gorgeous guys everywhere. I remember asking my friend Tony “But are all these boys gay?” He simply answered “Yep!” My life was never the same after that day in the fall of 1980. I went back countless times during my 3-year stay in Chapel Hill. I would get a lift from school friends or from my housemate Ritchie Bennett. I would drink liters of orange juice and water to stay hydrated and dance the night away.  I recall the 80s disco music, the liturgy of the awesome drag shows, the cute guys milling about, the club kids dancing bare-chested on the speakers: It was gay heaven! I could be myself. I didn’t have to pretend anymore. I was finally home. cmg2016

Original 42nd St advert with no physical address

La revolución sexual (La Casa Azul)

 

El baile eterno de María Pagés

Sobrecogedora fotografía de Juan Carlos Muñoz captando el baile prodigioso de María Pagés en su coreografía Una oda al tiempo, en el teatro de la Maestranza, durante la Bienal de Flamenco de Sevilla de 2018. Color profundo para un arte enjundioso. Los colores supersaturados, el contraste del rojo Burdeos sobre un negro absoluto y el movimiento de la bata de cola suspendido son en sí arte puro. La belleza eterna del arte flamenco reflejada en una instantánea. cmg2018

Bella Dichiarazione D'amore di Due Ragazzi Coraggiosi

Luciano Rosso_artistazo de BsAs

Hercules & Love Affair

Tragédie de Olivier Dubois_danza

Espasmos, impulsos, control, descontrol, sudor. El autor Olivier Dubois lleva a Sevilla su forma más pura de entender la tragedia. El Teatro Central de Sevilla estrena este viernes en España el espectáculo Tragédie, creado en el Festival de Avignon en 2012 y concebido para ser interpretado por 18 bailarines, todos desnudos, todo el tiempo.

Danza tribal, trances, inspiraciones, expiraciones. El espectáculo propuesto por Dubois parte de la base de que el simple hecho de ser hombre no hace humanidad y que de ahí surge la tragedia de la existencia humana. "Porque esta humanidad solo podrá surgir de entre los cuerpos, de entre las presiones telúricas creadas por nuestros pasos y por nuestros compromisos conscientes y voluntarios", se lee en su carta de intenciones, en el que explica que los bailarines, nueve mujeres y nueve hombres, se muestran desnudos para encarnar mejor la variación anatómica.

El autor propone un estado de cuerpo original, "una solicitación de su género humano liberado de sus trastornos históricos, sociológicos y psicológicos... para permitir en última instancia un coro semejante a un cante o cuerpo memorable", dice en el texto. La obra, que podrá verse en el Teatro Central de Sevilla el viernes 4 y el sábado 5 de abril, continuará de gira por Francia, Canadá, Inglaterra y otros países aún por confirmar.

Facebook censura una fotografía de Robert Mapplethorpe

La red social Facebook parece que no entiende de arte, pero sí de censura y de qué es apropiado y qué no. La banda neoyorquina Scissor Sisters acaba de publicar su nuevo álbum Night Work. Para promover este trabajo, su discográfica Universal Music ha adquirido campañas publicitarias en Facebook que finalmente no han sido publicadas en internet porque la imagen utilizada ha sido censurada por los controles de Facebook al considerarla "inapropiada y excesivamente explícita", según denuncian fuentes de la compañía. La imagen censurada por Facebook resulta ser una fotografía de Robert Mapplethorpe, uno de los artistas más reconocidos de todos los tiempos, autor de las mejores imágenes de Susan Sarandon, Blondie, Andy Warhol, Patti Smith, Arnold Schwarzenegger, William Burroughs, Susan Sontag, Carolina Herrera, Louise Bourgeois y Cindy Sherman, entre otros. La foto elegida por Scissor Sisters retrata el trasero del bailarín clásico Peter Reed, muerto en 1986.

Este periódico ha tratado sin éxito de comunicar con los responsables de la red social en España, pero sus teléfonos están fuera de servicio. Provocadora y poco convencional, la obra de Mapplethorpe está gestionada por una fundación que ha financiado la apertura de la sección de fotografía del Guggenheim Museum de Nueva York, y financia la investigación científica a través del Robert Mapplethorpe Laboratory para la investigación del SIDA en la Universidad de Harvard.

Según información distribuida por Universal Music, "la banda ha declarado en las entrevistas más recientes que ha elegido la fotografía porque ilustraba perfectamente el espíritu del disco: el esfuerzo y el sudor, la sensualidad y la parte física, el trabajo y la danza, agradeciendo públicamente a la Fundación Mapplethorpe que de forma excepcional haya autorizado el uso de la bellísima imagen." Para Jake Shears, líder del grupo, "representa un periodo del que hemos extraído nuestra inspiración para este álbum - la luz y la oscuridad, el hedonismo, la libertad y la tragedia de los años 80. La foto es sexy, tiene humor, es juguetona y sugiere que alguien acaba de terminar de bailar durante un largo tiempo, y este es exactamente el tema del álbum." 

El País, 1 de julio de 2010

Contemporary Ballet · NYC 25-30 November 1980

Robert MAPPLETHORPE & Contemporary Ballet NYC

Original poster announcement/ programme (43 x 28 cm), single sheet folded twice into three panels for the purpose of mailing with b&w photographs to each side and ballet logo in red. New York: Contemporary Ballet NYC & City Center, 1980.

A striking programme advertising the first performance programme of the New York Contemporary Ballet in a one week residency at City Center: ‘Some of the world’s leading dancers and choreographers join forces to explore the possibilities of contemporary ballet and create America’s newest dance company’. A beautifully designed programme showing Robert Mapplethorpe’s stunning photographs of the dancers’ gestures in close-up to each side of the sheet together with details of the repertoire, list of dancers and choreographers.